Готика — понятие, пришедшее из архитектуры. Так называют стиль, который родился вокруг Парижа в 1130–40-х годах, а потом распространился почти по всей католической Европе. Его ключевые элементы — стрельчатая арка, нервюрный свод, контрфорсы, аркбутаны, острые башенки (пинакли) — определяли конструкцию и эстетику бессчетных храмов, а во многом и светских строений, которые возводили на Западе вплоть до XVI века.
Историки склонны искать единство в разных формах искусств, появившихся или господствовавших в одно время. Потому живопись высокого и позднего Средневековья тоже стали именовать готической.
В этом есть своя правда. Архитектура вбирала в себя почти все формы и техники искусства (скульптуру, фреску, станковую живопись, витраж).
Xудожники раскрашивали статуи, а скульптура была встроена в тело храма. Для разных типов изображений был характерен общий эстетический идеал — например, тонкий, стремящийся ввысь силуэт.
И в то же время использование термина «готика» по отношению к живописи во многом условно. Эволюция архитектурных форм не обязательно совпадает по хронологии с эволюцией форм визуальных.
Новации в мире арок, шпилей и статуй, начавшиеся в XII веке, лишь отчасти отразились в мире изображений, написанных красками, и это произошло далеко не сразу.
А когда господство готики завершилось? В XIV–XV веках в Италии, а в XV веке в Нидерландах произошла художественная революция, которую принято называть Возрождением. Мастера той эпохи ушли от многих приемов, принятых в эпоху готики, и создали новый, более натуралистичный язык. При этом в итальянской живописи Возрождения, несмотря на увлечение Античностью, все равно много готического, а искусство старых фламандцев (Робера Кампена, Яна ван Эйка, Рогира ван дер Вейдена) можно описать и как разрыв со средневековой традицией, и как ее кульминацию. Чтобы не уходить в спор о том, где в искусстве заканчивается Средневековье и начинается Возрождение, мы предлагаем сосредоточиться в первую очередь на классических формах готики — до новаций XV века.
В искусстве готической поры существовало немало светских сюжетов: война, охота, турниры, пиры, куртуазные сцены с господами и дамами, эпизоды из греко-римской мифологии, нравоучительные аллегории. Однако гораздо чаще художники обращались к образам, связанным со священной историей и христианской доктриной. В мире изображений преобладали персонажи из Ветхого и Нового Завета, житий святых, примеры пороков и добродетелей, видения ада и рая. Сложность в том, что те же сюжеты можно было встретить и до готики — в эпоху, которую мы условно называем романской (XI–XII века). Потому, чтобы разобраться в сути готического, невозможно опираться только на содержание алтарных панелей, фресок или книжных миниатюр — важнее взглянуть на то, как они устроены, на визуальный язык того времени.
1. Стрельчатые арки, розы и четырехлистники
Поскольку понятие готики пришло из архитектуры, с нее и начнем. Разные искусства в любую эпоху обмениваются технологиями, образами и подражают друг другу. В средневековой Европе эта перекличка была особенно интенсивна. Например, реликварии для мощей святых, созданные ювелирами из драгоценных металлов, часто напоминали миниатюрные храмы: со стрельчатыми арками, летящими аркбутанами, ланцетными окнами, ажурными розами, острыми фронтонами (вимбергами), высокими шпилями, готическими трехлистниками и четырехлистниками.
Тот же репертуар готических форм в XIII–XV веках широко применялся и в плоских изображениях, написанных красками, а также на витражах. Дело не только в том, что художники представляли храмы и светские постройки в современном им готическом стиле. Важнее другое: любые сцены, вне зависимости от того, разворачивались ли они в полях и лесах, на городских площадях или в замковых залах, часто помещали в архитектурное обрамление, которое напоминало нишу, увенчанную балдахином, или храм в разрезе. Створчатые алтари с их острыми щипцами были похожи на порталы церкви. Конструктивные элементы и архитектурный декор, отличавшие готические постройки от их романских предшественников, стали вездесущи и в живописи.
Разные искусства говорили на одном языке.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/Coronation_Book_of_Charles_V_-_Cotton_Ms_Tiberius_B_VIII_f035r%5B1%5D.jpg)
Мемориальная псалтырь М. Р. Джеймса. Христос перед Пилатом. XIV век. © British Library Board / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-a1bcc700-e9c6-4ca9-9756-5468bf5af2b6.png)
Псалтырь королевы Изабеллы. Давид приносит Ковчег Завета в Иерусалим. Около 1265–1270 годов. The Fitzwilliam Museum
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-52148225-2956-49e9-a2f5-abb2dc2246dc.png)
Псалтырь королевы Изабеллы. Сын Давида, Авессалом, запутался в ветвях дерева и был пронзен Иоавом. Около 1265–1270 годов. The Fitzwilliam Museum.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-86fd3293-784c-4975-9b4b-a64241cb6b3e.png)
Псалтырь королевы Изабеллы. Давид скорбит, услышав известие о смерти Авессалома. Около 1265–1270 годов. The Fitzwilliam Museum
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-e7b2d224-2834-4dcd-8abd-9316df8cb166.png)
Псалтырь королевы Изабеллы. Давид признает Соломона своим наследником. Около 1265–1270 годов. The Fitzwilliam Museum
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-1bcce234-d77e-4b42-b25b-9f06acdd2e9c.png)
Псалтырь королевы Изабеллы. Давид посылает Соломона для помазания на царство. Около 1265–1270 годов. The Fitzwilliam Museum
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-6b69285c-6b90-44da-8c25-168a2d5959c4.png)
Псалтырь королевы Изабеллы. Погребение Давида. Около 1265–1270 годов. The Fitzwilliam Museum
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-9f1af384-171c-4531-9723-b7ac9f59e205.png)
Фигуры апостолов на фасаде Амьенского собора. Bisson Frères / Cornell University Library Collections
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-e0de4b6f-9d49-4272-9209-916202e91041.png)
Копия работы Нанни ди Банко. Скульптура четырех святых, увенчанных коронами, в Орсанмикеле.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-72112845-d988-4165-b6a1-c14a654fa47f.png)
Бернардо Дадди. Триптих. 1338 год. Antonia Reeve / National Galleries of Scotland.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-d7a6a944-107a-49db-90ec-a982de6e535f%20%281%29.png)
Джованни ди Тано Феи. Коронование Богоматери. 1394 год. Gift of Robert Lehman, 1950 / The Met.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-ac34493b-6a15-47ca-a84d-995434411ddb%20%281%29.png)
Мастер алтаря святого Августина. Сцены из жития святого Аврелия Августина. Около 1490 года. The Cloisters Collection, 1961 / The Met
2. Вытянутые силуэты и ломаные линии
Подобно каменщикам, возводившим стрельчатые арки и шпили, художники готической поры часто стремились придать своим персонажам тонкий, вытянутый силуэт. В конце XIV — начале XV века в главных художественных центрах Европы — Франции, Бургундии, Богемии, Северной Италии и рейнской Германии — утвердился стиль, который именуют интернациональной готикой. Для него характерно стремление к утонченности, мягкий изгиб фигур и некоторая манерность поз. Например, на Уилтонском диптихе, созданном в Англии около 1395–1399 годов, силуэты Девы Марии и ангелов, которые окружают Царицу Небесную, слегка вытянуты. Светлые духи неотличимы друг от друга и похожи на изящных андрогинов.
Кроме того, на многих изображениях фигуры, написанные красками, напоминают раскрашенные статуи. Это лучше всего видно в «зигзагообразном» стиле (Zackenstil), который появился в середине XIII века в германских землях. Его отличительная черта — острые, ломаные, словно застывшие складки одежд. Они придают персонажам экспрессию и создают ощущение, что фигуры на самом деле вырезаны из камня, как статуи, стоявшие на порталах соборов.
Готика очень разнообразна. Если французы и бургундцы ценили придворную утонченность и сдержанность поз, персонажи немецких художников позднего Средневековья более корпулентны, их жесты резки, а эмоции (например, ненависть иудеев и язычников к Христу или скорбь Иоанна Богослова и Девы Марии) бьют через край.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-9cb344ba-9dc8-42a1-bded-121e26ab70fa.png)
Неизвестный художник. Уилтонский диптих. Около 1395–1399 годов. The National Gallery, London / Wikimedia Commons
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-28a26bcc-78f6-4edf-b8f7-37e348152d5d.png)
Роскошный часослов герцога Беррийского. Грехопадение и изгнание из рая. Между 1411 и 1416 годом. IRHT-CNRS / Gilles Kagan / Bibliothèque du château / Wikimedia Commons
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-0ed06f7e-8f9b-4dc1-90ad-8fea9b77b3e3.png)
Неизвестный художник. Алтарь с изображением Троицы. Около 1250–1260 годов. Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie / Jörg P. Anders / CC BY-NC-SA 4.0
3. Плоская сцена и цветной фон
Взглянем на типичное средневековое изображение, например алтарную панель, которую кельнский художник Штефан Лохнер (ок. 1410-1451) посвятил мученичеству апостолов. Где разворачивается действие? На узкой и неглубокой сцене. У некоторых мастеров персонажи были почти плоскими, словно аппликации. Тут они объемны и крепко сбиты. И все равно пространство, в которое они помещены, лишено глубины. Мы не видим, где происходит действие. За первым планом нет ни сельских видов, ни панорамы города. Вместо них — условный золотой фон, похожий на театральный задник.
Сияние золота подчеркивало сакральное, вневременное значение библейских или житийных сцен и придавало изображению сходство с драгоценным изделием ювелира. Лишь на исходе Средневековья в Италии, Франции, Нидерландах художники начали осваивать глубину пространства. Вместо одноцветных фонов появились первые пейзажи или реалистичные городские виды, и впервые со времен Античности начались эксперименты с перспективой.
В книжной миниатюре фон очень часто бывал цветным, например красным или синим. Иногда он представлял собой узорчатый паттерн — сетку из квадратов или ромбов, нанесенную поверх однотонной поверхности. Цвет фона разных миниатюр на одной странице или развороте рукописи обычно чередовался: например, красный, синий, красный, синий и т. д. Такие вариации задавали ритм. Однако, чтобы уйти от монотонности, мастера его усложняли и делали так, что узор, помещенный на фон, каждый раз выглядел чуть иначе. Где-то добавляли точечки или завитки, где-то меняли форму фигур или придумывали какой-то еще нюанс. Средневековые художники с пиететом относились к старине, копировали работы предшественников, но при этом ценили изобретательность и умение скомпоновать привычные элементы на новый лад.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-056360c6-406d-4931-b713-08afaf97cba0.png)
Книга псалмов. Святой Христофор несет Христа. Начало XIV века. The Met
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-6e3a5a2a-e783-4dd5-864c-83466ee717c2.png)
Неизвестный художник. Святые Прокопий и Адальберт. Около 1340–1350 годов. The Cloisters Collection, 2013 / The Met
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-5b76dcff-4b00-41c2-91a0-da43eea86675.png)
Штефан Лохнер. Мученичество апостолов. Около 1435 года. Städel Museum
4. Свет: отовсюду и ниоткуда
Отказавшись от попыток передать на плоскости глубину трехмерного пространства, средневековые художники вычеркнули из своего репертуара и большинство световых эффектов, которые были известны в Античности.
В картинах эпохи готики, как и в живописи предшествовавших столетий, мы едва ли можем сказать, где находится источник света. Он везде и нигде. Все предметы и персонажи равномерно освещены и не отбрасывают теней. Сцены, которые по сюжету разворачиваются в полутьме подземного застенка или на улице под ночным небом, как арест Христа в Гефсиманском саду, ничем не отличаются от того, что происходит днем и при ярком свете.
Ситуация начала меняться с XIV века — сначала в Италии, а потом на севере, во Франции и в Нидерландах. Стремясь передать мир таким, как мы его видим, художники начали экспериментировать со световыми эффектами. Сначала кое-где появились тени. Они указывают на то, что свет льется с определенной стороны, что на изображении запечатлено конкретное время дня. Систематически эти эффекты стали применяться уже XV веке: в Италии — у Джентиле да Фабриано и Мазаччо, в Нидерландах — у Робера Кампена и Яна вана Эйка. Откроем Роскошный часослов герцога Беррийского — одну из самых известных средневековых рукописей. На октябрьской странице календаря крестьяне, которые пашут на поле, отбрасывают тени на вспаханные борозды.
Примерно в ту же эпоху в европейском искусстве стали множиться ночные сцены (градации темно-синих и черных оттенков в небе, тьма, прорезанная светом огня), а также другие световые эффекты: блики в стекле и драгоценных камнях, отражения в зеркалах и на глади воды, воздушная перспектива (предметы вдали подернуты дымкой).
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-ef630bd2-2891-4fd5-a202-b8120605d7a9.png)
Таймутский часослов. Предательство и арест. XIV век. © The Collection of Henry Yates Thompson / British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-63492f4f-9254-4243-b711-e958395a6df8.png)
Неизвестный художник. Сцены из жизни Христа. XIII век. The Cloisters Collection, 1955 / The Met
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-89e38b7f-e951-40d7-b6b3-0b4a3d92da57.png)
Псалтырь Райнау. Поцелуй Иуды. XIII век. Zürich, Zentralbibliothek / CC BY-NC 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-2420b2b1-20ca-4739-a2e2-b25b09b59ecb.png)
Роскошный часослов герцога Беррийского. Октябрь. Между 1411 и 1416 годом и около 1440 года. R.M.N. / R.-G. Ojéda / Musée Condé / Wikimedia Commons
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-20155a84-3768-401d-a619-7d509e000761.png)
Часослов Тиллиота. Предательство Христа. Около 1500 года. © British Library Board / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-171b290c-c794-45cd-997f-b720968d5261.png)
Ян ван Эйк. Мадонна в церкви. Около 1438–1440 годов. Gemäldegalerie, Berlin / Wikimedia Commons
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-a29430d5-f7fe-434a-934f-627914e6ed06.png)
Мазаччо. Святой Петр исцеляет больного своей тенью. 1425 год. Wikimedia Commons
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-ec1f3829-d563-4047-8db8-84ae0292a4c6%20%281%29.png)
Манускрипт из коллекции Роберта Харли. Предательство Христа. Около 1475–1654 годов. © British Library Board / CC BY 4.0
5. Чем выше, тем значимее
В средневековом искусстве рост персонажей — это важный показатель. Более значимые фигуры часто оказываются выше, чем второстепенные. Государь возвышается над своими подданными, святой — над паломниками, которые пришли к нему с просьбой о помощи, Господь — над ангелами и святыми, а дьявол — над демонами. Рост указывает на высокое положение в небесной или земной иерархии. Этот прием появился задолго до готики — в глубокой древности. Аналогичные изображения мы найдем в искусстве многих цивилизаций, например Египта и Ассирии. В европейском Средневековье этот принцип чаще и последовательнее использовался в романскую эпоху. Однако и в XIII–XV веках он не был забыт.
На многих церковных образах и на миниатюрах рукописей мы видим донаторов (от лат. donum — «дар»), то есть заказчиков конкретных изображений или благодетелей храмов. Они просили запечатлеть себя в молитве перед святыми, Девой Марией или самим Христом. В Средние века их часто представляли как крошечные фигурки — по колено или по пояс небесным заступникам. Разница в размере подчеркивала смирение донаторов и фокусировала внимание зрителя на высших силах — главных персонажах изображения.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/Saints_Michael_and_Elizabeth_of_Hungary_%28SM_sg360%29.png)
Рейнский мастер. Альтенбергский алтарь. Святой Михаил и святая Елизавета Венгерская. Около 1330 года. Städel Museum
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-af471b71-ec50-49ea-a6a3-e8cb044d0719.png)
Ченни ди Франческо ди Сер Ченни. Святая Екатерина с двумя святыми и двумя донаторами. Около 1380 года. The Met
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-b4630cbd-d341-4153-bd04-72c9faee294b.png)
Неизвестный художник. Сцены из жития святого Андрея. Конец XIV века. The Cloisters Collection, 1925 / The Met
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-e8fbd46c-e8cb-4ce7-a8ab-98f7aec20a90.png)
Неизвестный франкфуртский мастер (возможно, Ханс Кальденбах). Распятие с портретами донатора Виганда Меркеля и его семьи. Около 1503–1505 годов. Städel Museum
6. Игра масштабов
В плане масштабов и пропорций средневековое искусство долго хранило верность антропоцентризму. Это не значит, что человек в философском или религиозном плане считался мерой всех вещей. Дело в ином: в большинстве случаев изображения были устроены так, что фигуры персонажей занимали большую часть кадра. В нем оставалось мало пустого пространства. Как уже было сказано выше, вплоть до XIV–XV веков в готическом искусстве почти не найти пейзажей или масштабных городских сцен, на фоне которых человеческая фигурка могла бы казаться крошечной.
Крупные животные, стены городов, колокольни церквей и даже горы обычно изображались примерно такого же размера, как человеческая фигура: чуть ниже или чуть выше. Это были условные декорации, знаки, указывавшие на место, где разворачивается действие: в городе с множеством башен, внутри собора, в лесу или на горной дороге. Художники готической поры долго не пытались передать реальное соотношение масштабов между человеком и зданием или природным ландшафтом. Их задача была в ином: выстроить ясный рассказ и привлечь все внимание к главному — персонажам, будь то люди, силы небесные или темные духи.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-a794000f-593d-4fec-b4d9-f2a3e3e817c6.png)
Лондонская псалтырь, или Скандинавская псалтырь. Въезд в Иерусалим. Около 1250–1260 годов. © British Library Board / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-acfb7d27-71a4-4d13-ada2-71a46f656862.png)
Псалтырь. Благовещение. XIII век. Fletcher Fund, 1925 / The Met
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-a6d9d36c-2dfb-4daf-8420-7af440989ecd.png)
Среднерейнский мастер. Поклонение волхвов. Около 1400 года. Städel Museum
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-5664ec7e-cd93-44c0-acfb-f126d9e4e051.png)
Манускрипт Рено де Бара. Епископ окропляет храм святой водой. Около 1303–1316 годов. The Fitzwilliam Museum.
7. «Комиксы»
В современных комиксах и карикатурах мы слышим реплики персонажей благодаря облачкам, отходящим от их уст. Этот прием родом из Средневековья. Однако, в отличие от наших дней, тогда он встречался почти в любых изображениях — от маргиналий на полях рукописей до алтарных панелей и церковных фресок. Их персонажи обращались друг к другу, а на самом деле к зрителю не только с помощью поз, жестов и мимики, но и буквально, текстом.
Чаще всего слова писали на длинных лентах, развернутых свитках. В англоязычной литературе их как раз называют speech scrolls — буквально «свитки для речи». Они появились в западноевропейской иконографии XI века, но стали вездесущи позже — в эпоху готики.
Изначально они выглядели как настоящие свитки, написанные на полосках пергамента. Персонажи держали их в руках, они накручивались на центральный валик и под силой тяжести прогибались вниз. Однако со временем художники стали все чаще отходить от физического правдоподобия. Мастера рисовали ленты, которые устремлялись из рук говорящего не вниз, а вверх. Часто они отходили не от его рук, а от уст. Во время диалога или спора свитки участников перекрещивались в воздухе, а иногда их реплики записывали на разных сторонах одной ленты.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-053a06a6-6516-4754-9f15-75140519275d.png)
Рейнский мастер. Благовещение и Рождество. 1325–1335 годы. Städel Museum
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-f818f4c5-de15-4a81-9d65-b41d15d28af5.png)
Псалтырь Райнау. Миниатюра на одной из страниц. 1240–1260 годы. Zürich, Zentralbibliothek / CC BY-NC 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-b4630cbd-d341-4153-bd04-72c9faee294b%20%281%29.png)
Неизвестный художник. Сцены из жития святого Андрея. XIV век. The Cloisters Collection, 1925 / The Met
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-ec250b03-6a6f-4970-a1e6-0012409ecf80.png)
Нюрнбергский мастер. Коронование Богоматери. Около 1350–1360 годов. Städel Museum
8. Нимбы и атрибуты святых
На изображениях готической эпохи много метаэлементов знаков, которые обращены к зрителю, разъясняют ему суть происходящего и демонстрируют статус персонажей. Эти знаки отличаются от других деталей (зданий, повседневных предметов, одежд или головных уборов) тем, что сами персонажи, как подразумевается, их не видят. Классический пример — нимб вокруг головы святого: в облике золотого диска, короны лучей, светового ореола или полупрозрачного, словно стеклянного, «блюда». Нимб указывает на то, что конкретный персонаж свят, что зритель может ему помолиться.
Святые — одни из главных персонажей в искусстве Средневековья. Но как отличить одного небесного заступника от другого? Как зритель поймет, кто из мужчин или женщин — мученик, а кто — отшельник? Как идентифицировать конкретного мученика или отшельника среди множества собратьев? В этом могли помочь подписи, но не все зрители умели читать, а на изображениях, которые расположены высоко или невелики по размеру, текст нередко оказывался неразличим.
Эту проблему помогали решить иконографические атрибуты — знаки, которые изображали в руках персонажа или рядом с ним. Одни указывали на тип святости, к которому принадлежит небесный заступник. Например, мученики держали пальмовые ветви. Другие указывали на конкретного святого, заменяли или дополняли подпись с именем.
Личные атрибуты издавна существовали у нескольких небесных патронов: святого Петра (ключи), четырех евангелистов (ангел, телец, лев, орел), святой Агнессы (агнец)… У остальных, древних и новых, святых они стали множиться с конца XII века — прежде всего, в Северной Франции, а потом и по всей католической Европе.
Порой атрибуты изображались (почти) в натуральную величину: у ног святой Екатерины лежит пыточное колесо с шипами, разбитое спустившимся с неба ангелом, а рядом со святой Варварой стоит башня, в которую ее заточил отец. Однако часто атрибуты предстают как крошечные, словно игрушечные, модели, которые святые держат в руках, на подносах или на книгах: святая Екатерина — с маленьким, словно часовым, колесиком, святая Варвара — с крошечной башенкой, а святой Лаврентий — с маленькой решеточкой, напоминающей о решетке, на которой его изжарили язычники.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-6fdc2309-2a79-4cf9-a951-9aa9aa6e7119.png)
Неизвестный художник. Святая великомученица Варвара. Между 1401 и 1415 годом. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-250bef8f-6355-4e56-a29e-96f2007cbc6b.png)
Псалтырь Харли. Святая великомученица Варвара. Около 1460–1470 годов. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-d07a1c68-5a7c-444e-b557-9bf1fc8b5a3f.png)
Псалтырь Харли. Святая великомученица Варвара. XV век. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-f4b7dc9c-74c9-4b73-b8ba-ebe0e8a18f0d.png)
Псалтырь Дюнуа. Святая великомученица Варвара. Около 1440–1450 годов (после 1436 года). © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-b73eb5fb-5228-4b46-b7d8-661eac4804b5.png)
Псалтырь Тенисона, или Псалтырь Альфонсо. Четверо святых. Около 1284–1316 годов. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-cc86fd7e-d7f6-4503-a00e-5826c0e5baaf.png)
Художник круга Небридия. Святой Лаврентий. XV век. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-83b17c07-a289-414d-97b2-765069fb8198.png)
Джованни ди Паоло. Святые Екатерина Александрийская, Варвара, Агата и Маргарита. Около 1470 года. The Friedsam Collection, Bequest of Michael Friedsam, 1931 / The Met
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-513dfb6f-2142-4e06-aaa1-7b7131474bcf.png)
Мастер алтаря Бург-Вейлер. Алтарный триптих. Около 1470 года. The Cloisters Collection, 1953 / The Met
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-227c071d-95d5-4606-88ff-959f909831f0.png)
Часослов. Святые. XV век. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-b25ef5bb-4836-4ffc-938d-9e88a2e668f1.png)
Мастер Ортенбергского алтаря. Панель. Святая родня. Около 1430 года. The Yorck Project / DIRECTMEDIA Publishing / Wikimedia Commons
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-56179294-3d40-4edf-9554-7b3efdf0d00e.png)
Нюрнбергский мастер алтаря Марии. Моление о чаше в саду. Около 1420–1430 годов. Städel Museum
9. Животные: фантастические и реальные
В искусстве готической эпохи огромную роль играло фантастическое. Мастера с увлечением конструировали замысловатых гибридов из частей животных, птиц, насекомых и растений. На исходе Средневековья эта традиция получила удивительно изобретательное воплощение в работах Иеронима Босха (ок. 1450 — 1516). Однако увлечение фантастическим легко сочеталось с интересом к природе и стремлением запечатлеть реальный облик разных Божьих творений.
На страницах манускриптов или на алтарных панелях легко найти реалистичные изображения растений, животных, насекомых, рыб и других существ. Они появились с XIII века в скульптуре соборов, среди маргиналий, украшавших поля манускриптов, или на миниатюрах в бестиариях, энциклопедиях или трактатах об охоте. В предшествующие столетия образы животных и растений обычно были сильно стилизованы. По их внешнему облику было трудно, а то и невозможно идентифицировать конкретный вид. В эпоху готики ситуация начала меняться. Улитки и слоны, летучие мыши и кузнечики, виноградные розы и пальмы часто изображались вполне достоверно и с немалым вниманием к деталям.
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-eee103c0-4b78-42f4-928b-a9b111d84ea5.png)
Часослов. Яблоневый цвет с гусеницей и красной бабочкой-адмиралом. Между 1510 и 1520 годом. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-6bde2e0c-591e-4618-9749-b27040405b6d.png)
Часослов. Душистые фиалки со стрекозой, жуком и божьей коровкой. Между 1510 и 1520 годом. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-20a17447-8046-4c7d-8a93-3200637b2c5e.png)
Манускрипт Слоана. Трактат о травах. Растения. Около 1440 года. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-d23b605e-91df-402c-bd18-4ddb128d8d09.png)
Рукопись «О свойствах вещей». Автор рукописи Варфоломей Английский среди животных. 1482 год. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/bp%20%281%29.jpg)
Рукопись «В поисках Святого Грааля». Обезьяна-лучник. XIV век. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-a86bcfba-72ec-447c-a351-a620c48033fd.png)
Верхнерейнский мастер. Райский садик. Около 1410–1420 годов. Städel Museum
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-b40d7806-c5eb-411f-b2f9-bd68a07a2348.png)
Сборник наставлений. Сражение двух гибридов, вооруженных мечами и щитами. Между 1309 и 1316 годом. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-18a0a70f-69a7-47c4-8a08-b0a3675916e6.png)
Псалтырь Латтрелла. Гибриды. XIV век. © British Library / CC BY 4.0
![](https://cont.ws/uploads/pic/2024/3/picture-bb58ef18-9e7c-4da0-82a6-1a4cdfe9c66d.png)
Псалтырь Латтрелла. Женщина и гибрид. XVI век. © British Library / CC BY 4.0
Чем ближе мы к XV веку, тем чаще узнаваемые растения и животные появляются и в религиозных сюжетах: на изображениях Эдема, «запертого сада», в котором восседает Богоматерь, или портретах Марии с младенцем Иисусом. Многие из этих растений тоже играли роль символов. Например, лилии и другие цветы олицетворяли чистоту Богоматери, а красные гранаты напоминали о крови, пролитой Христом во имя искупления грехов человечества. Религиозный символизм объяснял их присутствие в сцене, но все к нему не сводилось. Тщательность в изображении листьев, цветов, плодов, крылышек, перьев и клювов свидетельствовала об интересе к природному миру как таковому, о восхищении, которое вызывало умение его запечатлеть, о страсти к познанию. Позже из этих ботанических, зоологических или энтомологических вставок в религиозные сюжеты родился самостоятельный жанр — натюрморт.
Оценили 4 человека
6 кармы