Представить себе, что человек, который никогда не имел дела с керамикой, вдруг начинает создавать произведения из глины, а кто-то, не знакомый с живописью, мгновенно начинает рисовать маслом – довольно трудно. Однако графическое искусство может быть доступно каждому: детям и взрослым, опытным художникам и новичкам. Все, что необходимо, — это карандаш и бумага, чтобы выразить свои мысли и эмоции.
Графика охватывает мир изображения, включая как ручные рисунки, так и печатные работы, такие как гравюры. Этот термин пришел к нам из греческого языка и первоначально означал письмо и каллиграфию. В конце XIX — начале XX века значение слова расширилось, охватив искусство, основанное на линиях, оттенках и контрастах, играющих между черным и белым, хотя цветные варианты тоже нашли свое применение.
Одной из уникальных черт графики является её своеобразное восприятие пространства, которое зависит от материала и техники. Мы сосредоточимся на станковой графике, термин, который сохранился изначально, когда мольбертом пользовались художники для живописи. Но в графическом искусстве наличие мольберта не обязательно; станковая графика предполагает создание произведений, которые могут быть выставлены на публику, сохранены в коллекциях или использоваться для украшения интерьера.
Графика делится на уникальные работы и печатные произведения (эстампы) в зависимости от техники создания и возможности многократного воспроизведения. Уникальные графические творения, такие как рисунки, акварели и монотипии, характерны своей единственностью, в то время как печатная графика позволяет выпускать серии однотипных оттисков на различных материалах: от дерева до металла и даже линолеума, где изображение отражает конечный результат.
Что требуется для создания графических работ помимо таланта? Если для создания керамики нужна глина, а для живописи — холст, то для графики необходима бумага. Технологии создания рисунков разнообразны; на бумаге могут оставаться следы карандаша, угля, туши, акварели или гуаши, а также используются пастельные мелки.
Бумага
Как ни странно, бумага тоже имеет свою историю, уходящую в глубь веков. Легенды утверждают, что её родина — Китай, где она появилась около 2200 лет назад и изготавливалась из древесного волокна, отличалась хрупкостью и ломкостью. В Европе тканевую бумагу начали изготавливать в XI—XII веках из льняных тряпок, но для художественного творчества её стали использовать только с XIV века. Тогда бумага имела толстую, шероховатую текстуру и желтоватый оттенок. Позже ее начали окрашивать светло-голубым, что позволяло мастерам создавать интересные световые эффекты, подобные лунному свету. Настоящая революция произошла с выпуском белой бумаги, что дало возможность работать с карандашом, тушью, чернилами и сепией — так и сложилось определение графики. В конце XIX века к этой области добавились акварельные и гуашевые работы. Такие тонкие листы, на которых трудится художник-график, имеют ограниченный размер.
Изумительно, но иногда бумага может «болеть». Если рисунок недостаточно бережно хранить или он существует уже много столетий, на нем появляются тёмные пятна, как у стариков. Классический пример — знаменитый «Автопортрет» Леонардо да Винчи (1452—1519), написанный в 1512 году и ныне хранящийся в королевской библиотеке Турина, Италия.
Цветная бумага также заняла свое место в графике. Она может не только выполнять функцию фона, но и придавать работе дополнительное значение. Характер оттенков порой акцентирует скрытый смысл всего произведения.
«Рисунок — это высшая честность искусства», — говорил признанный французский художник и график Доминик Энгр. Рисунок — это творение, выполненное вручную, используя разнообразные графические средства: контурные линии, оттенки и пятна. Комбинируя эти средства, художник достигает пластической выразительности и света в своих работах. Рисунок является основой графического искусства, часто исполняется в одном цвете, но также возможно и разумное использование нескольких оттенков. Область применения рисунка безгранична: он может быть как научным или техническим, так и прикладным. Арт-рисунок — это одна из самых значимых и активно развивающихся частей изобразительного искусства, лежащая в основе всех видов художественного изображения на плоскости, включая живопись и графику.
Линия в рисунке — это след движущейся точки, одно из самых мощных средств выражения в визуальных искусствах. В контексте рисунка она играет фундаментальную роль, являясь выразительным контуром, определяющим форму.
Легкость и музыкальность линии — это основа замечательного рисунка Валентина Серова «Портрет Тамары Платоновны Карсавиной». Эта выразительная и эстетически притягательная работа демонстрирует высокий уровень мастерства, ее форма лаконична и виртуозна. Фигура талантливой русской балерины начала XX века изображена со спины, а профиль лица запечатлен в изящных чертах. Волосы переданы живыми и быстрыми штрихами, создающими ощущение естественного движения — это результат точного и свободного рисунка, который прекрасно передает густоту и красоту прически. Легкая растушевка использована для лица и шеи, в то время как остальные части — спина, руки и хитон — очерчены мягкой, гибкой и уверенной линией.
Уголь , сангина
Штрих — это линия, оставленная движением руки, и он служит одним из ключевых выразительных средств в различных стилях графики. Для работы в технике штриха важно не только мастерство, но и подходящие инструменты, такие как карандаш, уголь и сангина, которые следует обрабатывать определенным образом, чтобы добиться нужного эффекта и текстуры.
Некоторые художники комбинируют уголь с другими материалами для достижения большей выразительности. Например, в автопортрете М.А. Врубеля мастер удачно сочетает уголь и сангину, формируя богатую и сложную текстуру, словно прозрачную паутину или густое кружево. Эти короткие линии-штрихи не только создают форму, но и отображают ее изменчивость и игру света, придавая рисунку невероятную глубину.
Илья Ефимович Репин стал первым среди русских художников, использовавшим технику угля по холсту для создания портретов. Вероятно, «Портрет Элеоноры Дузе» задумывался как подготовительный эскиз для живописи, однако Репин останавливается на угле и превращает его в настоящее «живописное» произведение. Он применяет разнообразные тональные переходы, позволяя черному цвету постепенно превращаться в белый, достигая бархатистой текстуры и утонченной игры света, подчеркивая чистоту холста.
Природные пигменты оказались удивительно удобными для художников!
Многие могут быть не в курсе, что коричневые и красно-оранжевые мелки, используемые в рисовании, называемые сангиной, получают из вулканических пород. Эта натуральная сангина представляет собой глинистое вещество, окрашенное безводной окисью железа. В зависимости от содержания железных оксидов, цвет может варьироваться от ярко-красного до красно-оранжевого. Ее открыли в Италии, позже нашли во Франции, и сегодня она обнаруживается и в богатых недрах нашей страны. Изначально сангину использовали для подготовительных набросков фресок, а начиная с XIV века, начали применять ее в графике. Тосканские художники Италии создали великолепные образцы рисунков с использованием сангины.
Рисунок Рубенса привлекает вниманием своей глубиной и мастерством. Беглые наброски органично сочетаются с детальной проработкой формы. Условный цвет сангины помогает виртуозно моделировать объем красивого животного, а оставленные белые блики передают блеск и упругость поверхности торса коня.
Всем нам знаком карандаш — этот простой инструмент, который использует каждый с детства. Слово «карандаш» имеет тюркские корни, где «ка́ра» переводится как «черный», а «таш» — как «камень».
Этот универсальный инструмент в форме палочки предназначен для рисования или письма и, как правило, помещается в прочную оболочку. Его основа, грифель, чаще всего изготовлен из древесины, реже — из пластика или металла. Разнообразие карандашей варьируется от графитных до цветных, а также включает свинцовые и итальянские модели. Некоторые виды, такие как сангина и уголь, создаются без внешней оболочки.
С древних времен известен свинцовый карандаш, который продолжает использоваться и в наше время. Это стержень, заключенный в металлический корпус, оставляющий на бумаге тонкие, но четкие линии. Картину, созданную с помощью свинцового карандаша, отличает легкость выполнения штриховки, что придает ей выразительность.
С XIV века стал популярным итальянский карандаш, изначально сделанный из черного минерала с сероватым оттенком, который также звался «черным мелом». В дальнейшем его начали изготавливать из торфяных остатков и используемого растительного клея. Работы, выполненные этим карандашом, отличаются глубокими и насыщенными линиями, которые помогают создать ощущение объема и светотени, связывая изображение с пространством.
Итальянский карандаш стал особенно ценен для портретной живописи, так как его мягкость позволяет легко создавать эффектные штрихи и текстуры, придавая изображению глубокий цвет. Например, в портрете Е.И. Чаплицы работы Ореста Кипренского именно итальянский карандаш деликатно передает как жесткость мундирных эполетов, так и легкость редеющих волос. Длинные, энергичные штрихи изящно моделируют форму, а точечные акценты обрамляют задумчивость лица с опущенными глазами. Такие нюансы в графике подчеркивают сложные эмоции и внутренние состояния персонажа.
На Мясницкой улице в Москве находится дом, который в конце XVIII века был возведен талантливым архитектором Василием Баженовым. В XIX веке в этом здании разместилось Московское училище живописи, ваяния и зодчества, а с 1921 по 1926 годы здесь функционировали Высшие художественные мастерские, известные как ВХУТЕМАС. На крыше этого дома располагалась деревянная площадка, откуда открывался великолепный вид на город. Именно здесь художник Петр Митрич создал двойной портрет — своей жены и архитектурного облика Москвы.
Смелость и динамичность тонких линий, а также выразительных штрихов постепенно обрисовывают силуэты зданий, деревьев и фигуру женщины. Затем карандаш, потеряв свою остроту, нежно и мягко добавляет оттенки к крыше, асфальтовой поверхности улицы и стене дома, у которой позирует модель. Вновь ощутимая сила штриха вновь берет верх, уверенно подчеркивая одежду Веры Хлебниковой и превращаясь в насыщенное пятно ее густых, темных волос. Эти рисунки исполнены глубоко чувствительной гармонией природы и человеческой сущности, находящейся в единении с окружающим её миром.
Свинцовые, серебряные, итальянские...
Все эти разновидности карандашей издавна служили верными помощниками профессиональных художников. Однако у любого «простого» человека на вооружении имеется другой, более скромный карандаш — простой. Внутри него находится графит — форма кристаллического углерода, смешанного с различными добавками. Это натуральное черное вещество когда-то использовалось в конце XVI века как вспомогательный элемент. Тогда еще не существовало копировальной бумаги, и для переноса рисунка с одного листа текста на другой применяли графит. Его наносили на обратную сторону, и под давлением он оставлял изображение на новом листе.
Спустя два века, в 1790 году, француз Никола Жак Конте, экспериментируя с графитом и глиной, создал материал, подходящий для изготовления карандашей различной твердости. Также ему пришло в голову обрамлять графитовые стержни деревом, что делало их менее хрупкими и удобными для художников.
Современный искусствовед Г.Г. Поспелов подметил уникальный графический стиль Бориса Григорьева: «..у Григорьева возник культ линии, контрастирующей с бархатистым и широким штрихом, плоско вытянутым и размазанным почти до тона грифеля. Каждый из таких рисунков содержит особый графический парадокс — сочетая поразительную небрежность и удивительную точность линий, которые, кажется, всегда слегка «промахиваются» мимо контура фигур и предметов, но довольно точно охватывают их на поверхности листа.»
При обсуждении графических техник до сих пор мало акцентировался цвет, поскольку работа серым карандашом, тушью или сангиной в первую очередь ориентирована на тональное решение. Однако цвет, в своем многообразии, стремится встретиться с чистой бумагой. И в этом ему на помощь приходит пастель. Цветной карандаш, созданный из красочных порошков с добавлением клея, гуммиарабика и иногда меда или молока, называется пастелью. Он, как правило, имеет форму небольшой цилиндрической палочки. Леонардо да Винчи называет пастель "сухопроводной живописью". Во Франции пастель нашла своё применение в конце XV века. Ее художественный эффект основан на глубокой силе, чистоте и мягкости пигментов, которые сохраняют свою свежесть на протяжении долгого времени.
Пастель
Пастель может быть быстрой, игрового типа или более медлительной, позволяющей работать крупными пластами штрихов, раскрывая свои лучшие качества в зависимости от замысла художника.
Илья Репин мастерски овладел множеством графических техник, о чем с восторгом свидетельствовал его ученик Исаак Бродский. Он подчеркивал, что палитра Репина была удивительно разнообразной и живой, а его карандаш отличался удивительной послушностью и богатством технических возможностей. Казалось, что художнику не составляет труда преодолеть любые трудности. Однако такая кажущаяся лёгкость была следствием его многолетней, кропотливой работы над собой, постоянной практики и серьёзной учебы, которую прошёл Репин.
В замечательной пастели Виктора Борисова-Мусатова «Куст орешника» художник создает ощущение простора и лёгкости, достигая впечатляющей ритмичности в игре светлых тонов.
Тушь, бистр, сепия и соус
Теперь поговорим о жидких красящих веществах, таких как тушь, бистр, сепия и соус. Эти материалы имеют свою древнюю историю.
В Китае, задолго до нашей эры, научились производить жидкую краску — так называемую китайскую тушь, созданную из сажи, желатина и камфоры. В средние века ночью она находила широкое применение в рисовании с помощью пера и растушевки. В отличие от китайской, европейская тушь, изготавливаемая из черничных орехов, со временем имеет свойство желтеть, что пагубно сказывается на качестве бумаги. Также существует цветная тушь, среди которых тёмно-коричневая имеет название бистр.
Федор Толстой, работая над серией иллюстраций к поэме Богдановича, проявил исключительное внимание к линии — упругой, точной и разнообразной. Его увлечение греческой вазописью и античной орнаментикой стало источником вдохновения для создания контурных изображений, наполненных декоративной выразительностью.
Яркие и порой ироничные рисунки Владимира Милашевского уловили дух ушедшей эпохи. Его подход высоко оценил друг и соратник, сам талантливый график Николай Кузьмин. Он отмечал, что в его технике "нет ничего случайного." Рисуя углем, даже если была допущена ошибка, художник мог легко всё исправить, смахнув её тряпкой. Карандаш также оставляет возможность для корректировок и подводит к мысли, что всегда есть надежда на ластик. Однако работа с тушью требует полного сосредоточения и уверенности: всё создается мгновенно, без поправок, как в детской игре или как у Рембрандта. "Да здравствует тушь!" — подчеркивал он!
С развитием искусства в XIX веке на рынке появились металлические перья, позволяющие создавать тонкие и ровные линии. Тушь подходит не только для написания пером, но и для работы кистью. Она может принимать различные оттенки: как черные, так и коричневые. Древние люди использовали жидкость, которую выделяет каракатица в случае опасности; разведённая водой, она давала разнообразие оттенков от темно-коричневого до палевого. Эта тинта и получила название «сепия», которая в XIX веке стала производиться химическим способом.
Тонко размельченные компоненты сгорания, смешанные с легким раствором растительного клея и прессованные в виде палочек, известны как соус. Этот материал, вошедший в художественный арсенал в конце XVIII — начале XIX века, отличается глубоким тоном и бархатистой текстурой, позволяя художникам достигать разнообразия в тональных эффектах.
Соус можно применять как в сухом, так и в мокром виде. При сухом использовании палочку растирают о шероховатую бумагу, а пыль, собранная на растушку (небольшой сверток из замши), осторожно наносят на предварительно созданный карандашный набросок. Чаще всего же соус разбавляют водой, что создает эффектные переходы и позволяет комбинировать его с другими материалами для достижения новых визуальных глубин.
Исторический анекдот гласит, что в 1757 году, когда Этьен де Силуэтт стал генеральным контролером финансов во Франции, он ввел строгий режим экономии и вместо привычных картин начал украшать стены замка тенями. Обводя контур фигуры гостя, он заполнял силуэт черной краской. Так возникло новое направление в графике — силуэт.
Успех графики в этом жанре также связан с творчеством Елизаветы Кругликовой. В её графических работах, где засветилась сцена в кафе, чудесно перекликались ироничные строки Алексея Толстого с образами, отритых графически: здесь сам Толстой с рюмкой в руках, рядом поэт и художник Максимилиан Волошин, а также сама Кругликова в мужском костюме, вызывая множество интересных ассоциаций и настроение эпохи.
Акварель
Мы уже затрагивали тему «цветности» пастели, а сейчас на помощь приходит вода. Именно она позволит акварели раскрыть свой потенциал. Упоминаемая краска, образуемая водой, смешивающейся с красящими пигментами, придаёт живописи прозрачный и легкий эффект. Эти акварельные краски представлены в разных формах — твердые плитки, полумягкие в керамических чашках или мягкие в тюбиках, создавая множество возможностей для художников.
Мнение о том, что наличие цвета в акварели ведет к живописи, а не к графике, не совсем справедливо. Если цвет укладывается на бумагу легким и прозрачным слоем, то его основа остается гравированным рисунком, обладая всей его чувствительностью.
Не менее интересен Виктор Борисов-Мусатов, который, как и многие его современники, стремился создать декоративные панно, в которых отражались новые художественные концепции, подразумевающие гармоничное соединение искусства и жизни. Хотя его задумки о панно не были реализованы, они оставили глубокий след в истории графического искусства.
Акварельные работы завораживают своей утонченностью и мягкостью. Художники, стремясь соединить живопись с музыкальными мотивами, часто экспериментируют с соотношениями линий и цветовых пятен. Через акварельные эскизы чувствуется мощная музыкальная подоплека, которая переплетается с темой произведения. Например, работа «Сон божества» передает атмосферу меланхолии благодаря холодным оттенкам и печальному характеру линий. Нежные, прозрачные слои акварели, в которые органично вписывается белая бумага, идеально подходят для раскрытия такой глубокой и чувственной темы.
Черную акварель, известную как ламповую копоть, отличает великолепная гамма тональных нюансов. Она создает на поверхности холста прозрачную, почти вибрирующую атмосферу, которая оживляет изображение. При внимательном рассмотрении можно заметить, что ритм рисунка, плавные линии и бархатные пятна тени часто создают параллели с музыкальной гармонией стихотворных текстов.
Использование акварели предполагает разнообразные техники. Можно работать экономно, воспользовавшись лишь легкими намеками цвета, как в технике «по-сухому», или же активно увлажнить бумагу и применять краску на влажной основе, что придает работе особую динамичность.
Гуашь
Гуашь, что в переводе с итальянского и французского означает «водяная краска», представляет собой уникальную форму акварели. Она была создана для того, чтобы достигать большей плотности благодаря добавлению белил. В ее состав входит мелко растертый пигмент и водно-клеевое связующее, что придает гуаши особую текстуру.
Эта техника уже с древних времен активно использовалась в Европе и Азии для выполнения миниатюр, а со временем – и для создания эскизов, подчеркивания рисунков и портретных миниатюр. В России гуаша достигла своего расцвета в конце XIX — начале XX века, хотя ее корни уходят в XVIII век.
Монотипия
Монотипия выделяется тем, что каждая работа существует только в единственном экземпляре. При этом создается она методом отпечатка, что перекликаться с печатной графикой.
Как же она создается?
Художник наносит краску на идеально гладкую металлическую поверхность, а затем, поддавливая, получает единственный уникальный отпечаток. Монотипия характерна своей тончайшей игрой цветов, напоминающей акварель. Часто ее используют в сочетании с офортом для усиления эмоционального воздействия произведения.
Елизавета Кругликова, известная своим стремлением к творческому эксперименту, находила вдохновение в смешении текстур и цветовых решений, что сильно отразилось на её творчестве в начале Первой мировой войны. Нервозность этой эпохи попала в её работы, передавая тревогу через динамичные линии танцующих фигур и «бегущие» гирлянды огней. Для достижения эффекта ирреальности Кругликова выбирала легкие голубые и перламутровые оттенки, что обращало внимание на глубину её эмоциональных посланий.
Оценили 0 человек
0 кармы